Cyrano De Bergerac Scene Finale

et noms du Roman de Renart), les histoires du goupil appartiennent également à une tradition universelle, celle des contes d’animaux, que l’on retrouve par exemple dans les civilisation indienne ou arabe. Les auteurs semblent s’amuser à mettre en scène des animaux vivant à l’image des hommes : chacun, roi ou simple paysan, est rarement présenté sous son meilleur jour. Il s’agit là d’un divertissement de clercs que l’on retrouve dans les fêtes des fous ou de l’âne, lorsque certains cherchent à parodier

 avait  recommandé   son   avocat.   Ce   dernier   gagne   le   procès,   mais   dès   qu’il   réclame   ses   honoraires,   le   berger   continue  de  bêler  en  guise  de  paiement.   Extrait  :  Scène  10,  devant  le  tribunal  :   PATHELIN.  -­‐  Dis  donc,  Agnelet  ?     AGNELET.  -­‐  Bée.     PATHELIN.  -­‐  Viens  ici,  viens.  Est-­‐ce  que  j’ai  bien  réglé  ton  affaire  ?  

Salluste cherche à se venger d’elle, tandis que Ruy Blas en est amoureux. Le titre « Don Salluste » s’explique par l’omniprésence de ce personnage, qui ne s’éclipse qu’au début 1 © Éditions Belin/Éditions Gallimard, 2009. R uy Bla s de la scène 3. C’est sur son discours que s’ouvre la pièce, et l’élaboration progressive de son plan de vengeance va générer l’action. Ce premier acte montre la colère de don Salluste et le désespoir de Ruy Blas. Expliquez les raisons de leurs états d’âme et présentez

d'intensité. Elle crée un rythme dans la phrase et une musicalité entre les mots. Elle aboutit bien souvent à une hyperbole dans son mode ascendant. « C'est un roc ! C'est un pic ! C'est un cap ! / Que dis-je, c'est un cap ? C'est une péninsule ! » Cyrano de Bergerac, Edmond Rostand  La gradation est une figure très employée, elle permet de rendre saisissante la progression d'une idée, d'une émotion ou d'une description. Elle peut créer une attente. Exagérer, on parle alors de gradation hyperbolique. Elle

Le théâtre I. Sortie : Mystère : C’est un genre théâtral apparu au XV ème siècle. Ce genre mettait en scène des histoires et des légendes. MIRACLE : est une petite narration (500 à 3000 vers) relatant une action humaine où l'élément divin apparaît dans le dénouement. TRAGEDIE : est une œuvre théâtrale dont l’origine remonte au théâtre grec antique. TRAGI-COMEDIE : est un style de jeu dramatique ou d'écriture théâtrale alternant ou mêlant divers genres théâtraux

gréco-latine notamment avec des auteurs comme Esope (VI avant JC) et Phèdre (environ 15 avant JC-50 après JC) mais aussi en orient avec le poète indien Pilpay (vers le III avant JC). Rédigé en prose ou en vers, il est bref, mettant de préférence en scène des animaux (bien que ce ne soit pas toujours le cas), avec pour intention avoué de dispenser un enseignement. La fable a donc avant tout une dimension didactique. Pourtant, le fait d’écrire un récit naïf et irréel, au départ dédiait aux enfant (le

Elle-même, avant de mourir dans les bras de son amant, lui révèle qu'elle n'a jamais cessé de l'adorer. Le couple, ainsi réuni par la fatalité, justifie le titre de la pièce et ne forme plus qu'un seul corps : «l'aigle à deux têtes». Extrait (acte II, scène 9) STANISLAS : Quel calme après l'orage. La nuit tombe avec un silence extraordinaire. On n'entend même pas les cloches des troupeaux. LA REINE : D'ici, on n'entend rien, on se croirait séparé du monde. Et je n'aimais pas ce calme. Il me plaît

le genre narratif (diégésis) et le texte dramatique (mimésis). Il utilise des codes divers : linguistique, de l’image (composition du cadre, angle de prise de vues, champ et hors-champ, point de vue), de la scénographie,  de la musique. La mise en scène contient les décors, les acteurs et leurs costumes, les dialogues,  la musique et la mise en cadre liée à l’étude des plans et des paramètres techniques (lumière, construction du champ et du mouvement dans le champ). La bande images est vouée au

par le XIXe siècle, sera appréhendé dans ses effets spectaculaires. L’analyse de l’évolution des techniques de mises en scène (costumes, décor, jeu des acteurs) montrera les changements dans les attentes des spectateurs vis-à-vis du registre tragique ou comique. L’évolution des conditions de représentation (théâtre de tréteaux, théâtre à l’italienne, salle sans cadre de scène contemporaine) peut être appréhendée grâce au livre d’André Degaine : Histoire du théâtre dessinée (Nizet, 1994). Nous ferons

contemporains, les danseurs sont presque toujours vêtus sur scène. Ainsi, le costume est un élément essentiel du spectacle chorégraphique et le fruit d’une création en accord avec le spectacle lui-même. On se rend compte que le tutu reste dans l'imaginaire collectif le plus célèbre des costumes de danse. Sans revenir sur toute leur histoire et évolution, nous pouvons citer quelques dates clé dans l’évolution des tendances sur scène. Durant le règne de Louis XIV, la danse est un art de première